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GÉNEROS PICTÓRICOS

Un interesante repaso sobre algunos géneros pictóricos influyentes al arte contemporáneo. 

TENDENCIAS CLASICAS 
Estas manifiestan armonía entre fondo y forma mediante la medida, el orden, la disciplina, la claridad, la serenidad, el equilibrio y el humanismo. Los estilos en los que se aprecian estas características son: Clasicismo, Renacimiento, Neoclasicismo y Modernismo.

TENDENCIAS IDEALISTAS 
Denominadas por Hegel “formas románticas“, establecen el rompimiento entre fondo y forma, predominando lo espiritual, la libertad y la fantasía. Los estilos que corresponden a esta tendencia son: Arte bizantino, Románico, Gótico, Barroco, Romanticismo, Expresionismo y “Arte Puro”.

TENDENCIAS SIMBOLISTAS
Hegel afirma: “El simbolismo constituye el comienzo del Arte” . Todo Arte es algo simbólico. Abstracción, esquematismo, sentido ornamental y poder expresivo son algunas de sus características. Es posible apreciar el simbolismo en diferentes épocas y estilos entre los que están: las Artes primitivas, las Artes de Medio Oriente y Egipto, el Cubismo, el Simbolismo y el “Arte Abstracto”.

TENDENCIAS REALISTAS
La propuesta principal es: Fidelidad a la naturaleza que nos rodea . La realidad ha sido siempre -exceptuando ciertas tendencias actuales- un punto de partida y una referencia. Los de estas tendencias son: Realismo, Naturalismo, Impresionismo, Surrealismo, “Arte otro” 1.

Esquema según Micó Buchón. José Antonio Pérez-Rioja, Síntesis del Arte Universal, TECNOS, Madrid, 1979, pp. 15-16.

ARTE ABSTRACTO 
Sus antecedentes se remontan al arte primitivo, desde la plástica prehistórica. Este arte prescinde de la motivación temática y suprime la relación entre realidad y cuadro, entre líneas, planos y colores.

El arte abstracto surgió en la época anterior a la Primera Guerra Mundial y se desarrolló con mayor fuerza a partir de 1920, manifestándose en diversas corrientes como la ABSTRACCION CLASICA compuesta a base de rigidez en la forma y el color, resultado una selección estrictamente intelectual 1.

En 1932 Antonio Pevsner y Naum Gabo fundaron la escuela de arte no figurativo ABSTRACCION CREACION ésta escuela de antecedentes cubistas, no logró una síntesis de las artes plásticas, pero fusionó algunas técnicas de la pintura y la escultura 2. 

El arte es armonía“: Seurat.
Una armonía paralela a la naturaleza“: Cézanne 3.
Gunther Gerzso es considerado pionero del arte abstracto en México.

ABSTRACCION GEOMETRICA 
Inició durante los años veinte de este siglo, como una reacción contra el impresionismo, utilizando elementos geométricos de acuerdo a principios no muy rígidos, en sus concepciones el orden conceptual es de mayor importancia ante lo sensorial, ya que, no acepta la copia de la naturaleza, sino una armonía paralela a ella interpretada con sus propias leyes y normas, derivadas del pensamiento matemático. Algunos de los representantes de la

EXPRESION ABSTRACTA
Se inspiraron en la teoría de la sección áurea, otros en la estructura de las composiciones musicales que se fundamentaban en la base cifrada, y algunos más se fundamentaron en la estructura de la música dionisiaca. La base del color y las leyes de la geometría propuestas por Pascal, constituyeron la importancia y fundamento de la obra de artistas de esa época. Perfección en el uso del lenguaje geométrico y objetivo fue la propuesta de los maestros del ARTE STIJL. La influencia de la abstracción geométrica, se manifestó durante varias décadas, siendo sus principales representantes: Léger, Delaunay, Kupka, Kandinsky, Malevich quien escribió el libro Mundo sin objetos (1927), Mondrian, Van der Leck y Albers, enlace entre las tendencias de la abstracción geométrica de América con sus antecedentes europeos.

A Seurat y Cézanne se les consideró lo primeros representantes de este lenguaje artístico que buscó interpretar el universo desde sus propias leyes.

ABSTRACCION LIRICA En la abstracción lírica destacó Wassily Kandinsky (1866-1944) sus primeras obras son figurativas, describen formas estilizadas de colores intensos. Su pintura se transformó hasta lograr una abstracción madura, donde las formas y los colores -según su autor- responden a una necesidad interior. El artista dedujo que en el arte abstracto la forma y el color son el lenguaje para expresar una emoción y comunicarla al igual que se logra con el sonido en la música. Paul Klee en su obra también manifestó ese carácter intuitivo.

El término ABSTRACCION LIRICA fue usado por el pintor Georges Mathieu, posteriormente el crítico Pierre Restany definió con él la pintura significa y un género de ABSTRACCIONISMO NO GEOMETRICO.

1- Omar Gasca, Artes Visuales, Ediciones del Claustro de Sor Juana, A.C. CUDECH, Primera Edición, 1981, p. 31.
2- Ibidem, p. 2
3 Historia del Arte, T 11, “Abstracción geométrica” por L.C. Jaffé, Salvat Mexicana de Ediciones, S.A., de C.V., México, D.F., p. 71.

AEROPAISAJE 
Género de paisaje creado desde la antigüedad, y aunque era imposible acuñar el término, las características del género se aprecian en apuntes de Leonardo da Vinci.

El Doctor Atl lo describió en el manifiesto publicado en 1958:

“De pie sobre una colina, nuestros ojos contemplan panoramas cuya estructura aparece formada por planos horizontales y verticales y nuestro tradicionalismo topográfico y estético nos hace buscar algo que podemos tener junto a nosotros -un primer plano- desde el aeroplano, el primer término tradicional desaparece. Donde estamos acostumbrados a ver rocas, árboles o casas, no hay nada. El aeropaisaje no tiene primeros planos. Es necesario desentenderse de la tradición y representar sin prejuicios el aeropaisaje que tiene una estructura física y un sentido espiritual muy diferente del tierra paisaje. Los horizontes se curvan, las cimas están abajo y los montes se transforman en ondas de luz; el claroscuro se disloca, las nubes ruedan a nuestros pies y el movimiento del aeroplano sobre el movimiento de los cúmulos vaporosos multiplica nuestras sensaciones y las sobrepone con fantástica rapidez. El aeropaisaje es el túmulo de los cielos y de la tierra, hecho ritmo de belleza en la conciencia del hombre”.

CUBISMO EXPRESIONISMO CONSTRUCTIVO O CUBISMO
Representado en la obra de STIJL, grupo holandés que buscaba hacer visible la esencia de la realidad velada por las formas individuales de la naturaleza y por el temperamento característico del artista. Stijl también aspiraba a la expresión de lo universal. Braque, Picasso, Mondrian, son representantes de esta corriente.

ESTETICISMO
Surgió como un antecedente del modernismo, la primera manifestación se presentó a mediados del siglo XIX en Inglaterra, siendo William Morris propuso un arte para todos y en todos los lugares, evitando así la invasión de lo corriente e industrializado. En la temática figurativa fueron incluidos aspectos naturalistas del gótico, elementos florales y vegetales curvilíneos, siendo la belleza el objetivo principal de toda actividad artística. En los años ochenta se sintetizaron las corrientes en el esteticismo, integrando en las composiciones, como rasgo predominante el tema vegetal. Sus principales representantes fueron W. Morris, J. McNeill Whistler, Arthur H. Mackmurdo y Beardsley en la gráfica y W. Crane en los objetos de uso.

FAUVISMO
Estilo pictórico que responde a la sensación; los colores el valor más importante de la obra. Su nombre proviene del francés les fauves que significa “las fieras”. Al respecto, es conocida la frase del crítico de arte Louis Vauxcelles, cuando al ver una escultura de Marquet (la cual representaba a un niño que recordaba a Donatello), rodeada de cuadros de Matisse, exclamó: “Donatello parmi les fauves.”* Con el afán de espontaneidad de algunos fauvistas surgió el estilo NAIF o pintura ingenua; Théodore Rousseau fue el primero en realizar cuadros con las características de esta corriente. Amadeo Modigliani realizó obra estilizada de expresión melancólica, otros representantes son Vlaminck y Derain. * “Donatello entre las fieras”.

FUTURISMO 
Esta tendencia, posterior al cubismo, surgió en Italia durante la primera década del siglo XX. Su objetivo era crear un arte de acuerdo con el desarrollo y el mundo del maquinismo. Luigi Russolo, Gino Severini, G. Balla, Carlo Carrá y Umberto Boccioni realizaron obra con las características de esta corriente. El primer manifiesto del futurismo fue publicado por Filippo Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en Le Figaro de París. El 8 de marzo de 1910 en el teatro Chiarella de Turín los pintores futuristas leían su primer manifiesto redactado en 1909. Esta tendencia afirma: “El gesto, la actitud que nosotros queremos reproducir sobre el lienzo no será un instante fijo del dinamismo universal; será resueltamente la sensación dinámica eternizada como tal.” No hay líneas ni imágenes fijas, los objetos se deforman con vibraciones precipitadas en el espacio. “El espacio no existe”, como tampoco la opacidad de los cuerpos y, por consiguiente, lo único que cabe reflejar es “la compenetración de los planos”. Las propuestas ofrecían un cambio total en cuanto a la creación plástica. El artista propuso el cambio al integrar al autor y al espectador en una síntesis tanto de lo visto como lo recordado o imaginado: todo se funde sobre las “líneas-fuerzas”; dinamismo, compenetración de planos, simultaneidad, trascendentalismo físico y estados de ánimo plásticos 1.

IMPRESIONISMO 
Contrario a las manifestaciones artísticas que le antecedieron, es el resultado de un análisis y no de una síntesis. Esta corriente surgió en Francia durante el último tercio del siglo XIX, en 1874 fue realizada la primera exposición colectiva de los impresionistas, entre las obras expuestas se encontraba un cuadro realizado por Claude Monet, titulado Impresión. Sol naciente que dio origen al nombre de esta tendencia. El 25 de abril del mismo año, L. Leroy publicó en el Carivari, el artículo: La exposición de los impresionistas 1.

Entre sus representantes están: Monet, Renoir, Pissarro, Cézanne, Berthe Morisot, Bazille, Manet, Degas, Toulouse-Lautrec y Constantin Guys.

La estética de esta tendencia se basa en lo objetivo, busca la fugacidad del momento y la realidad circundante que es un devenir y un ocurrir en el sentido absolutamente heraclítico. Toda imagen impresionista es la expresión de un momento en el perpetuum mobile de la existencia, la representación de un equilibrio inestable, siempre amenazado, en el juego de las fuerzas contendientes. Así el resultado estaba sujeto a vivencias sensoriales y experiencias ópticas, el pintor trataba de sintetizar en una sola impresión sensible los efectos simultáneos de la luz, color y espacio, los colores que utilizaban se limitaron a los del espectro solar, logrando de los contrastes sus efectos luminosos.

Sus antecedentes en cuanto a técnica se fundamentaron en las últimas teorías físicas sobre la composición de la luz. En el aspecto histórico y temático se ubican en los pintores de la escuela veneciana, quienes se anticiparon a la técnica impresionista con la idea de interpretar la luz, los colores y las sensaciones, entre las obras que se aprecian antecedentes de esta tendencia están las siguientes:

El almuerzo sobre la hierba, obra de Manet

Remite al Concierto campestre de Giorgione.

El almuerzo de los canotiers, obra realizada por Renoir

Recuerda las Bodas de Caná de Veronés.

También son antecedentes del impresionismo obras realizadas por Goya, Brueghel el Viejo, Rubens, Hals, Turner, Fragonard, Corot… La evolución continuaba, los pintores de Barbizon con las aportaciones al plein air… La composición de los efectos del color en la naturaleza fue definida por Constable. La coloración de las sombras y la ley de los colores complementarios fueron descubiertos por Delacroix… Ellos iniciaron la visión dinámica; esencia del impresionismo.

El artista del impresionismo descubrió la ciudad como paisaje, al retornar la pintura a este lugar, se convierte en arte que describe el ritmo, la versatilidad, las impresiones efímeras… parece contradictorio que al mismo tiempo sea un arte íntimo arraigado en el sentimiento de la originalidad individual, se inicia en estrictas vivencias personales y de experiencias en soledad y aislamiento… Así el impresionismo domina temporalmente la totalidad de las artes, es el último estilo europeo de valor general (…). Desde su disolución, ni las distintas artes ni las distintas naciones y culturas pueden ser aunadas estilísticamente 2.

El impresionismo representa, junto con el gótico y el romanticismo, una de las más importantes encrucijadas en la historia del arte occidental
3. 1 José Antonio Pérez-Rioja, Síntesis del arte universal, “Del Impresionismo y el Simbolismo a los umbrales del siglo XX”, Ed. TECNOS, Madrid, 1979, p. 381.
2 Arnold Hauser, Historia social de la literatura y del arte, Volumen 3, El impresionismo”, Guadarrama/Punto Omega, 21, Barcelona, 1982, pp. 194.
3 Ibidem, p. 208.

MODERNISMO 
Estilo que floreció en Europa y los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX, reflejando las diversas características de cada país y sus situaciones socioeconómicas. En Francia se le denominó art nouveau o fin de siecle; en Bélgica estilo coup de fouet o Velde stile; en Alemania, jugendstil; Sessionstil en Austria; en Italia, sitle liberty o floral; en Gran Bretaña y los Estados Unidos se le reconoció como modern style; en España y los países de habla castellana, modernismo.

RENACIMIENTO
Representó un resurgimiento cultural iniciado en Italia luego extendido en toda Europa; abarcó las artes plásticas y la literatura. Tomó como ejemplo e inspiración a las artes de la antigüedad clásica 1. Sus principales protagonistas fueron Miguel Angel, Rafael y Leonardo Da Vinci, quienes sintetizaron el ideal renacentista con el objeto de evitar en el arte la abstracción formal, ubicándolo en una misma intención monumental y humana.

REALISMO MAGICO 
Estilo a base de unas cuantas líneas y colores, se originan una simple e inmediata impresión visual. En la composición hay una recuperación total de la imagen en absoluta autonomía logrando manifestarse en una transgresión de la realidad donde los objetos y el mundo mágico del artista forman la unidad en la obra.

ROMANTICISMO
Palabra que en su raíz -rom- contiene el significado de: antigüedad, Roma y románico. En Inglaterra se le dio el sentido de romantic, que significa novelesco. Esta corriente se desarrolló en Europa, manifestándose como una disposición de estado de ánimo en la que domina la contradicción cuando el deseo de grandeza rebasa al individuo y cae nuevamente en la lucha y la limitación.

El romanticismo fue una reacción contra las normas y la académica frialdad establecidas por el neoclasicismo, rechazó los ideales de razón, orden, composición, simetría y armonía estéticos. Esta corriente se manifestó en favor del sentimiento, la emoción la imaginación y la asimetría.